中國畫鑒賞論文大全11篇

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篇（1）

On China's Tea Art as well as its Position in the History of

China's Tea Culture.

——the Different Developing Directions of Tea Culture in China and Japan

Abstract: Early in Tang dynasty, the trend of tea drinking spread all over the country, and the Chinese word Chadao(茶道) came forth, which disappeared later, and the book "Tea Classics" wrote by Lu Yu and other books on tea focus on explaining the art of enjoying tea (which is called Tea Art). Oppositely, Japan, after in- troducing tea drinking from China, has developed Chadao(茶道) under the thick religious sense. Different history and cultural background have led to the different developing directions of tea culture in China and Japan. Chi- nese scholars developed tea drinking as an art in life, while Japanese monks and priests regarded it as Buddha regulations.

Key words: tea art; Chadao; Chinese and Japanese tea culture;developing direction

“茶藝”一詞是20世紀70年代由臺灣茶文化界首先創造出來的，用以概括品茶藝術的內涵。但是品茶本身卻是很早就存在，并且在品茶過程中生發出茶道精神。在中國茶文化發展歷史進程中，茶藝與茶道無疑占據核心地位。不過與脫胎于中國母體的日本茶道相比較，中國的茶道似乎顯得薄弱些，這很讓一些愛國心特重的國人覺得尷尬，盡管底氣不足，還是要用各種各樣的理由來辯解。但是歷史是客觀存在，用不著回避，感情用事無助于問題的解決。本文擬對這一問題進行嘗試性探討，不足之處，權當拋磚引玉，請大家指正。

一、中日兩國茶道觀念的反差及其原因

所謂茶藝，就是泡茶的技藝和品嘗的藝術。其中又以泡茶的技藝為主體，因為只有泡好茶之后才談得上品茶。但是，品茶是茶藝的最后環節，如果沒有品嘗，泡茶就成了無的放矢，泡的目的本來就是為了要品。而且，只有通過品嘗過程中的各種感受和遐想，產生審美的愉悅，才有可能進入詩化的境界，達到哲理的高度，才可能升華為茶道。

茶道就是在茶藝操作過程中所追求和體現的精神境界和道德風尚。它經常和人生處世哲學結合起來，成為茶人們的行為準則和道德要求。故中國古代也將茶道精神稱作茶德，如唐代的劉貞亮就提出“茶十德”：“以茶散悶氣，以茶驅腥氣，以茶養生氣，以茶除癘氣，以茶利禮仁，以茶表敬意，以茶嘗滋味，以茶養身體，以茶可雅志，以茶可行道。”其中“利禮仁”、“表敬意”、“可雅志”、“可行道”等就是屬于茶道精神范疇。劉貞亮所說的“可行”之“道”，是指道德教化的意思。即飲茶可以有助于社會道德風尚的培育，明確地以理性語言將茶道的功能提升到最高層次，可視為中國古代茶道精神的最高概括。

中國的茶道精神至少可以追溯到西晉杜育的《?賦》，但是直到唐代中期才出現“茶道”概念，最早見于詩僧皎然的《飲茶歌·誚崔石使君》。詩中描寫了飲茶的三個層次：“一飲滌昏寐，情思朗爽滿天地。二飲清我神，忽如飛雨灑輕塵。三飲便得道，何須苦心破煩惱。”其第三層次就是飲茶的最高層次，即品茶悟道，達此境界一切煩惱苦愁自然煙消云散，心中毫無芥蒂。該詩的最后兩句是“孰知茶道全爾真，唯有丹丘得如此。”意思是世上有誰能真正全面地了解茶道的真諦呢?看來只有仙人丹丘才能做到這一點。這是茶文化史上首次出現的“茶道”概念，其內涵與詩中的“三飲便得道”相呼應，也與現代對“茶道”的界定較為接近，在中國乃至世界茶道發展史上都具有重大意義。

但令人難以理解的是，自此之后，在中國古代茶書中卻不見“茶道”一詞，直至明代張源的《茶錄》才提到“茶道：造時精，藏時燥，泡時潔，茶道盡矣。”但這里的“茶道”僅是一些技術要求，并無品茗悟道等精神層面的東西，既與皎然的“茶道”也與現代的“茶道”精神相去甚遠。在張源之后數百年間的明清茶書中，又不見“茶道”一詞。個中原因實在耐人尋味。在我看來，恐怕與茶圣陸羽的影響有關。

皎然是唐代著名的茶人和詩僧，也是陸羽的摯友。他大陸羽13歲，是忘年之交。他對茶道的理念陸羽定然了解。但是盡管陸羽的《茶經》中涉及(或者說流露)了一點茶道精神的內容，但卻沒有出現“茶道”一詞，也沒有正面敘述茶道精神的段落或詞句。顯然，陸羽沒有接受皎然“茶道”的觀念，他在《茶經》中重點闡述的是煮茶技藝(茶藝)和對茶湯的觀賞，對茶具的實用性和藝術美非常重視，但沒有從“形而上”角度來考慮茶道問題。茶圣的《茶經》不談茶道，后來的茶書也不談茶道問題。如與陸羽同時的裴汶在《茶述》中就已經提到茶的功能“其性精清，其味浩潔，其用滌煩，其功致和。”這已涉及到茶道的基本精神，但是就是沒有歸納為“茶道”一詞。又如宋徽宗趙佶的《大觀茶論》中也涉及到茶道精神：“祛襟滌滯，致清導和，則非庸人孺子可得而知矣。中淡閑潔，韻高致靜，則非遑遽之時可得而好尚矣。”可以說，“致清導和”、“韻高致靜”是對中國茶道基本精神的高度概括。顯然，趙佶繼承、發展了裴汶的觀點，然而書中也沒有出現“茶道”一詞，可見，他也沒有接受皎然的理念。既然號稱茶圣陸羽的《茶經》和作為皇帝趙佶的《大觀茶論》都不提“茶道”，往后的茶書作者大多是官僚地主出身，都是一些保守成性的儒生，只會蕭規曹隨，更不會獨辟蹊徑去探討什么茶道問題。

中國文人真正接近于揭示茶道實質的是明末清初的杜浚，他在《茶喜》一詩的序言中曾經指出：“夫予論茶四妙：曰湛、曰幽、曰靈、曰遠。用以澡吾根器，美吾智意，改吾聞見，導吾杳冥。”①

所謂茶之四妙，是說茶藝具有四個美妙的特性。“湛”是指深湛、清湛；“幽”是指幽靜、幽深；“靈”是指靈性、靈透；“遠”是指深遠、悠遠。都是與飲茶時生理上的需求無關，而是品茶意境上的不同層面，是對茶道精神的一種概括。所謂“澡吾根器”是說品茶可以使自己的道德修養更高尚。“美吾智意”是說可以使自己的學識智慧更完美。“改吾聞見”是說可以開闊和提高自己的視野。“導吾杳冥”則是使自己徹悟人生真諦進入一個空靈的仙境。這正是現代茶人們所要追求的茶道精神和最高境界。可以說杜浚已經碰撞到了茶道的大門，可惜的是他也未能跨過這道門檻，因為他也沒有接受“茶道”的概念，他所概括的“論茶四妙”也未得到后人的重視和弘揚，真是一件非常遺憾的事情。

縱觀中國古代茶學史，出現了眾多的茶書，其書名有《茶經》、《茶述》、《茶譜》、《茶錄》、《茶論》、《茶說》、《茶考》、《茶話》、《茶疏》、《茶解》、《茶董》、《茶集》、《茶乘》、《茶譚》、《茶箋》等等，就是沒有一本叫《茶道》，也沒有一本茶書中有專門談論“茶道”的章節。反觀此時的日本，茶道已經發展到很成熟的地步。至少到了16世紀后期，日本茶道高僧千利休就已集茶道之大成，制定出茶道的基本精神茶道四規：和、敬、清、寂，一直沿襲至今，奉為圭桌。兩相對照，確實反差很大。茶道的源頭的確在中國，“茶道”一詞也是最早誕生于中國，然而自唐代以后，中國歷史上的茶道觀念并不發達，至少在近代以前是如此。這是不爭的事實，我們應該有勇氣承認這一點。

那么，中日兩國在茶道方面為何會有如此之大的反差呢?依我之見，是由于兩國的歷史文化背景不同、茶道在社會政治生活中的地位不同等諸多原因造成的。至少有三個方面值得注意：

一是將中國的飲茶方式引入日本的是一批來中國留學的日本僧人(遣唐僧)，他們是在中國的佛教寺廟中將佛門茶事學回去的，并且將它們作為佛門清規的組成部分一直在佛門嚴格的傳承下來。日本歷史上的茶道大師都是聲名卓著的大德高僧，不但賦于日本茶道以濃郁的佛教色彩，也增強了日本茶道的權威性，特別是自千利休之后，形成了嫡子繼承的“家元制”，使其權威性更為穩固持久。

二是日僧來中國留學之時，中國的飲茶方式已經相當成熟，引入日本之后是作為一種高級文化形態首先在皇室貴族之間流傳，長期為統治階級所專享，后來才逐漸傳播到民間，上行下效，原已成熟定型的飲茶方式和清規戒律也為民間所全盤接受，形成社會共識。

三是日本統治階級對茶道的重視利用，加強了茶道與權力的關系。如15世紀的幕府第將軍足利義正，讓高僧村田珠光撰寫茶湯法則《心之文》和其他茶故事，在寺廟中推行村田珠光所提倡的禪院式茶禮，竭力以飲茶方式來改善人際關系，并且祈禱天下太平。后來的統治者織田信長及豐臣秀吉更將茶道作為一種新型文化來擴大自己的影響，企圖在群雄爭霸的戰國時代一統天下。因此他任命千利休為專職茶頭，要他繼續制定和完善茶道的儀式和規則。豐臣秀吉還常在重大政治活動前后舉行規模盛大的茶會，進一步擴大了茶道的社會影響。因此，在一定意義上，茶道成為日本統治者駕馭民眾的一種思想武器。茶道在日本社會中能產生巨大影響就不足為奇了。

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① 杜浚：《變雅堂集》詩卷3。

但是，這種現象在中國不存在．中國的茶文化是在民間土壤上發育起來，逐步成熟。在中國是先有庶民茶文化，后來才被統治階級所接受，形成宮廷貴族茶文化。民間的飲茶風習之盛已達到“茶為食物，無異米鹽”、“遠近同俗”、“難舍斯須”、“田閭之間，嗜好尤甚”(《舊唐書·李玨傳》)的程度，這是任何統治者都不可能剝奪的。茶葉已成為百姓們日常生活“開門七件事之一”的必需品，以茶提神解乏，以茶養生，以茶自娛，以茶敬客，以茶贈友，以茶定親，以茶祭祀等等，均早已形成風俗習慣，無需教導，無需勸說，人們自然而然會遵守。整日里為生活忙碌奔波的勞苦大眾，不可能有更高層次的文化追求，不會自覺地去追求什么茶道精神。

有很高文化修養的文人雅士們則醉心于品茗技藝的探研，他們都具有詩人的浪漫氣質，品茶時追求詩意的審美境界，很少人會從社會學和哲學的角度去考慮茶道精神問題。古代的官吏們都是典型的儒家子弟，歷來遵循儒家的處世原則，“達則兼濟天下，窮則獨善其身”。仕途得意時忙于政務，自然無暇來過問茗飲瑣事，倒霉失意時則隱退山林不問政事，只以茶來排憂解悶，尋求解脫，不會過問社會道德教化問題。而中國的佛門僧侶向來不干預寺外塵俗世界的事務，他們出來參加茶事活動，也都是以文人的身份出現，除了個別像皎然那樣的大德高僧之外，很少有人會去考慮茶道問題。

至于歷代最高統治者的皇帝們，似乎從來沒有考慮過要賦于茶事活動以崇高使命，雖然他們也經常以茶宴、賜茶的方式來招待群臣，但僅是作為宣揚皇威籠絡臣下的宮廷禮儀而已，并未具有太多的道德教化色彩。在他們看來，有博大精深的儒家學說足以成為統一全國民眾思想的強大武器，區區茶道，實在是無足掛齒。這是豐臣秀吉們統治的日本所不可能具備的。儒道大于茶道，這可能就是中國茶道觀念不發達的最重要原因。

二、中國茶藝的發展歷程

對于中國的茶人來說，飲茶是一門生活藝術，著重追求品茶時的藝術情趣，而不是缺乏詩意的清規戒律。即使是講究“禪茶一味”，也是側重以禪意來提升品茶的詩化境界，并不強化宗教色彩。

中國人飲茶飲了幾千年，開始是將茶作為食物，然后作為藥物，后來成為飲料，至遲從西晉開始，就將飲茶發展為一門生活藝術。作為飲料的茶湯，主要的功用是解渴、提神、解乏、保健，基本上是為了滿足人們生理上的需要。但是西晉詩人張載的《登成都白菟樓》中有“芳荼冠六清，滋味播九區”詩句，已經在描寫茶葉的芳香和滋味，可見當時人們飲茶開始講究欣賞香味，已經不再是單純的滿足生理上的需要了。杜育的《拜賦》除了描寫茶葉生長環境、采摘情況之外，還涉及用水、茶具、茶湯泡沫以及飲茶功效等，可以看出當時飲茶已經有了一套技術要求。特別是其中描寫茶湯泡沫的幾句：“惟茲初成，沫沉華浮。煥如積雪，嘩如春藪。”意思是剛煎點的茶湯，茶末下沉，泡沫上浮，其光彩白如積雪，亮麗像春天的花卉。如此重視欣賞茶湯泡沫的色彩和形狀，則當時必有培育茶湯泡沫的技術，據關劍平先生的研究，南北朝時期就已經采用茶筅攪打茶湯使之產生泡沫。[1](p306)而對茶湯泡沫的欣賞則完全是為了滿足人們的審美要求，飲茶就具有藝術性了。至于《?賦》的最后兩句：“調神和內，倦解慵除。”描寫飲茶的功效，可視為中國茶道精神的萌芽。

中國茶藝的成熟是在唐代。這是因為有一大批文人介入茶事活動，撰寫了眾多的茶詩，提升了飲茶的文化品位，使品茗成為一種藝術享受。其中如孟浩然、王昌齡、李白、皎然、盧仝、白居易、元稹、杜牧、齊己、劉禹錫、皮日休、陸龜蒙等人，都留下許多膾炙人口的茶詩，對唐代品茶藝術的發展產生了積極的影響。唐代詩人們品茶，已經超越解渴、提神、解乏、保健等生理上的滿足，著重從審美的角度來品賞茶湯的色、香、味、形，強調心靈感受，追求達到天人合一的最高境界，這從他們的眾多茶詩中可以得到印證。[2](P252—254)除了前述皎然茶詩的“三飲”之外，盧仝在《走筆謝孟諫議寄新茶》中描寫的“七碗茶”也很典型：“一碗喉吻潤，兩碗破孤悶。三碗搜枯腸，惟有文字五千卷。四碗發輕汗，平生不平事，盡向毛孔散。五碗肌骨輕，六碗通仙靈。七碗吃不得也，惟覺兩腋習習清風生。”這樣的品茶已經不再把茶湯當做是一種飲料，而是成為藝術欣賞的對象或者是詩人們審美活動的一種載體。可見，我國的品茗藝術至少在唐代中期已進入成熟的時期。因此，陸羽的《茶經》對此進行了全面總結。

陸羽將唐代的煮茶技藝總結為：“一曰造，二曰別，三曰器，四曰火，五曰水，六曰炙，七曰末，八曰煮，九曰飲”(《茶經·六之飲》)，就是茶葉采造、鑒別、茶具、用火、用水、炙茶、碾末、煮茶、飲用等九個方面。唐代盛行煮茶法，據《茶經·五之煮》記載是先將茶餅放在炭火上烘炙，兩面都要烘到起小泡如蛤蟆背狀，然后趁熱用紙囊包起來，不讓精華之氣散失。等茶餅冷卻后將它碾磨成茶末，再篩成茶粉。等水燒到冒起如魚眼大小的水珠同時微微發出聲響，稱為一沸，要放點食鹽進去調味。等水燒到鍋邊如涌泉連珠時為二沸，先舀出一瓢滾水備用，再用竹笑環擊湯心，然后將茶粉從中間倒下去。過一會兒鍋里的水翻滾為三沸，將就剛才舀出的那瓢水倒下去，此時鍋里的茶湯會產生美麗的泡沫，稱為“湯華”。這時茶湯就算煮好，分別舀人茶碗中敬奉賓客。

陸羽提倡的這套煮茶程序是：炙茶、碾茶、羅(篩)茶、燒水、一沸時加鹽、二沸時舀水、環擊湯心、倒人茶粉、三沸點水、分茶人碗、敬奉賓客。整套程序是相當完整的，其技術要求也是頗為明確、具體。陸羽特別重視煮茶時要培育出美麗的“沫餑”。稱之為“湯之華”，華者花也。指的是茶湯表面上浮泛的一層細密均勻的白色泡沫：“沫餑，湯之華也。華之薄者曰沫，厚者曰餑，細輕者曰花。如棗花漂漂然于環池之上，又如回潭曲渚青萍之始生，又如晴天爽朗有浮云鱗然。其沫者若綠錢浮于水湄，又如菊英墮于尊俎之中。餑者以滓煮之。及沸，則重華累沫，皤皤然若積雪耳。《?賦》所謂‘煥如積雪，曄若春藪，有之’。”陸羽用了棗花、青萍、鱗云、綠錢、菊英、積雪、春藪等一連串美麗的名詞來形容茶湯的泡沫，可見他對此是何等的重視。其實，唐代的詩人們也都很欣賞湯華的，常常用乳、花等美好字眼來形容：“沫下麴塵香，花浮魚眼沸”(白居易《睡后茶興憶楊同洲》)、“銚煎黃蕊色，碗轉麴塵花”(元稹《一字至七字詩·茶》)、“白云滿碗花徘徊”(劉禹錫《西山蘭若試茶歌》)、“白花浮光凝碗面”、“碧沉霞腳碎，香泛乳花輕”(曹鄴《故人寄茶》)、“惟憂碧粉散，常見綠花生”(鄭遨《茶詩》)……總之，唐代煮茶并不是只煮出一鍋普通的茶水，而是十分講究培育茶湯面上的沫餑(湯華)。可以想象一下，唐代流行用青綠色的秘色瓷茶碗，茶湯是金黃色(杜牧《茶山詩》：“泉嫩黃金涌”；元稹《一字至七字詩》：“銚煎黃蕊色”)，湯華又是“煥如積雪”的白色，一碗在手，真是令人賞心悅目，難怪詩人們會產生那么多美麗的聯想。

不過，在唐代茶藝發展進程中，除了陸羽等人之外還有一位茶人的貢獻值得注意，這就是臨淮縣(今江蘇洪澤縣西)的常伯熊。據唐代封演《封氏聞見記》卷6記載：“楚人陸鴻漸為茶論，說茶之功效，并煎茶、炙茶之法。造茶具二十四事，以都統籠貯之。遠近傾慕，好事者家藏一副。有常伯熊者，又因鴻漸之論廣潤色之，于是茶道大行。王公朝士無不飲者。御史大夫李季卿宣慰江南，至臨淮縣館。或言伯熊善茶者，李公為請之。伯熊著黃被衫烏紗帽。手執茶器，口通茶名，區分指點，左右刮目。茶熟，李公為啜兩杯而止。既到江外，又言鴻漸能茶者，李公復請之。鴻漸身衣野服，隨茶具而人。既坐，教攤如伯熊故事，李公心鄙之。茶畢，命奴子取錢三十文酬茶博士。”

從這條史料可以看出：(1)早在唐代，茶藝的基本程式已經形成，而且可以在客人面前進行表演。(2)常伯熊在表演茶藝時已經有一定的服飾、程式、講解，具有一定的藝術性和觀賞性，成為一項藝術形式。(3)茶藝的基本程式雖然是陸羽制定的，但卻是經過常伯熊“廣潤色之”后才“茶道大行”，即進行很大(“廣”)加工(“潤色”)之后才在社會上流行起來。(4)陸羽的表演效果不如常伯熊，故“李公心鄙之”。(5)既然陸羽的表演是“教攤如伯熊故事”，可見陸羽自己也接受了常伯熊已經“廣潤色之”后的茶藝程式，那么，現在看到的《茶經·五之煮》中有關煮茶的記載，應該是陸羽參考常伯熊的“潤色”而修訂過的。因此，應該承認常伯熊是中國歷史上第一位茶藝表演藝術家，是現代茶藝師的祖師爺。

唐代茶人們對“湯華”的追求對宋代的影響很大，宋代的點茶法的最大特點正是對泡沫(湯華)的追求。斗茶時是以泡沫越多越白而取勝的，即所謂“斗浮斗色傾夷華”(梅堯臣《次韻和永叔嘗新茶雜言》)。當宋代的茶人們發現將茶粉直接放在茶盞中沖點擊拂會產生更多、更美的泡沫時，自然就會放棄唐代的煮茶方式。而是將早已存在民間的“閹茶法”加以改進發揚。早在三國時，張揖《廣雅》就記載“荊巴間采茶作餅，成以米膏出之。若飲先炙令色赤，搗末置瓷器中，以湯澆覆之。”這與《茶經》所提倡的煮茶法并不相同，是將搗碎后的茶葉粉末放入瓷器中再用開水沖泡，《茶經·六之飲》中稱之為“癱茶”：“乃斫、乃熬、乃煬、乃舂，貯于瓶缶之中，以湯沃焉，謂之癱茶。”宋代的點茶法則是將“瓶缶”改為茶盞，將茶粉放人茶盞中用少量開水調勻后再沖點開水，然后用茶筅擊拂使之產生泡沫。顯然，用茶筅擊拂產生的泡沫肯定比煮茶法要多也更美觀。而茶筅是早在南北朝時期就已發明。由此可見宋代的點茶法并非突然憑空冒出來的，而是有悠久的歷史軌跡可尋。

從宋代的《茶錄》、《大觀茶論》等茶書記載中，可以了解到宋代點茶法的點茶技藝是：炙茶、碾茶、羅(篩)茶、候湯(燒水)、?菡?烘茶盞)、調膏、注水、擊拂、奉茶。

宋代茶人們除了追求美麗的茶湯泡沫外，也講究茶湯的真味。陸羽在《茶經》中雖然反對民間傳統煮茶加進蔥、姜、棗、橘皮、茱萸、薄荷等佐料，但是他還是保留了加鹽的習慣。宋代的點茶則連鹽也不用，單純品嘗茶葉的芳香和滋味。宋代的詩人們也寫了大量歌頌茶湯色、香、味的詩句，經常三者并提，如“味觸色香當幾塵”(黃庭堅《送張子列茶》)、“色香味觸映眼來”(黃庭堅《奉同六舅尚書詠茶碾煮茶》)、“色味新香各十分”(葛勝仲《謝通判惠茶用前韻》)、“色香味觸未離塵”(劉才邵《方景南出示館中諸公唱和分茶詩次韻》)。而且還將三者稱為“三絕”：“遂令色香味，一日備三絕”(蘇軾《到官病倦，未嘗會客，毛正仲惠茶，乃以端午小集石塔，戲作一詩為謝》)。

宋代的茶書就將色香味列為三大標準。如蔡襄《茶錄》指出：“茶色貴白……以青白勝黃白”；“茶有真香……民間試茶皆不入香，恐奪其真”；“茶味主于甘滑”。宋徽宗的《大觀茶論》則將“味”擺到第一位：“夫茶以味為上，香甘重滑為味之全”；“茶有真香，非龍麝可擬”；“點茶之色，以純白為上真”。

但是，宋代點茶所使用的茶葉仍與唐代一樣，是用蒸青餅茶，即茶葉采摘后要蒸熟、搗碎、榨汁、壓模、烘干成團狀或餅狀的茶餅，特別是斗茶講究茶湯泡沫貴白，盡量將茶葉中的汁液榨干，“蒸芽必熟，去膏必盡”(宋子安《東溪試茶錄》)。致使茶葉的色、香、味都受到很大損失，有時會加進一些香料作為彌補，結果又使茶失去真香真味。而民間飲用的散茶，卻有不用蒸青而直接烘焙，其香氣和滋味自然勝過餅茶，于是逐漸傳播開來。明代謝肇涮《五雜俎》引元代馬端臨《文獻通考》“茗有片有散。片者即龍團舊法。散者則不蒸而干之，如今之茶也。”后說：“始知南渡之后，茶漸以不蒸為貴矣。”正如明代許次紓《茶疏》所指出：“名北苑試新者，乃雀舌冰芽所造，一挎之值至四十萬錢，僅供數盂之啜，何其貴也。然冰芽先以水浸，已失真味，又和名香，益奪其氣，不知何以能佳?不若近時制法，旋摘旋焙，色香俱全，尤蘊真味。”特別是明明了炒青、揉捻技術之后，增強了茶葉的香氣滋味。張源《茶錄》記載：“候鍋極熱，始下茶急炒。火不可緩，待熟方退火，徹人篩中，輕團數遍，復下鍋中，漸漸減火，焙干為度……火候均停，色香全美。”茶青炒后復加烘焙，更加芳香，葉色青綠可愛，經過揉捻滲出茶汁，易于溶解，滋味更加醇厚，人們就直接采用開水沖泡，以品嘗茶葉的真香真味，于是在宋元時期就已在民間流傳的散茶沖泡法迅速發展起來，特別是在明朝初年朱元璋廢除餅茶改進貢芽茶之后，宋代的點茶法就被瀹茶法(散茶沖泡法)所淘汰了。自此之后直到今天，瀹茶法一直占據中國飲茶方式的主導地位。

瀹茶法是用條形散茶直接沖泡，杯中的茶湯就沒有“乳花”之類可欣賞，因此品嘗時更看重茶湯的滋味和香氣，對茶湯的顏色也從宋代的以白為貴變成以綠為貴。明代的茶書也開始論述瀹茶法的品嘗問題。如陸樹聲《茶寮記》的“煎茶七類”條目中首次設有“嘗茶”一則，談到品嘗茶湯的具體步驟：“茶入口，先灌漱，須徐咽。俟甘津潮舌，則得真味。雜他果，則香味俱奪。”要求茶湯人口先灌漱幾下，再慢慢下咽，讓舌上的味蕾充分接觸茶湯，感受茶中的各種滋味，此時會出現滿口甘津，齒頰生香，才算嘗到茶的真味。品茶時不要雜以其他有香味的水果和點心，因為它們會奪掉茶的香味。羅廩的《茶解》也專門談到品嘗問題：“茶須徐啜，若一吸而盡，連進數杯，全不辨味，何異傭作。盧仝七碗，亦興到之言，未是事實。山堂夜坐，手烹香茗，至水火相戰，儼聽松濤，傾瀉人甌，云光縹渺，一段幽趣，故難與俗人言。”主張品嘗茶湯要徐徐啜咽，細細品味，不能一飲而盡，連灌數杯，毫不辨別滋味如何，等于是傭人勞作牛飲解渴。真正的茶人品茶，最好是山堂夜坐，親自動手，觀水火相戰之狀，聽壺中沸水發出像松濤一般的聲音，香茗人杯，茶煙裊裊，恍若置身于云光縹渺之仙境，這樣的幽人雅趣是難以和俗人講清楚的。明代的屠隆在《考??馀事》卷3“茶箋”中強調要識趣：“茶之為飲，最宜精行儉德之人，兼以白石清泉，烹煮得法，不時廢而或興，能熟習而深味，神融心醉，覺與醍醐甘露抗衡，斯善鑒者矣。使佳茗而飲非其人，猶汲泉以灌蒿萊，罪莫大焉。有其人而未識其趣，一吸而盡，不暇辨味，俗莫大焉。”品茶講究“幽趣”，是明清文人在品茗活動中所追求的藝術情趣，也是中國茶藝的一大特色。

這樣的品茶最適合用小壺小杯來品啜，許次紓《茶疏》“飲啜”就主張：“一壺之茶，只堪再巡。初巡鮮美，再則甘醇，三巡意欲盡矣。”“所以茶注欲小，小則再巡已終。寧使馀芬剩馥尚留葉中，猶堪飯后啜漱之用。”馮可賓的《?舨杓恪芬倉髡龐瞇『?薟瑁骸安韜?孕∥?蟆C懇豢停??話眩?紋渥哉遄砸??轎?萌ぁ：我?壺小則香不渙散，味不耽擱。況茶中香味，不先不后，只有一時，太早則未足，太遲則已過。的見得恰好一瀉而盡，化而裁之，存乎其人。”于是就逐漸形成了功夫茶藝。最早見于記載的是清初袁枚的《隨園食單·茶》：“余向不喜武夷茶，嫌其濃苦如飲藥。然丙午秋，余游武夷，到曼亭峰天游寺諸處，僧道爭以茶獻。杯小如胡桃，壺小如香櫞。每斟無一兩，上口不忍遽咽。先嗅其香，再試其味。徐徐咀嚼而體貼之，果然清芬撲鼻，舌有馀甘。一杯之后，再試一二杯。令人釋躁平矜，怡情悅性。”這是典型的小壺小杯沖泡法，是今天功夫茶藝的原型，至清代晚期，功夫茶藝就已經很成熟了。

篇（2）

 

中國畫是中華民族傳統的繪畫藝術，以人物、山水、花鳥為表現內容，高度概括、洗練為特征，有著鮮明的藝術風格、獨特的審美規律及特殊的筆墨語言和表現技法。學習中國畫要“師古人”與“師造化”，即向古人學習，拜大自然為師，中國畫的教學從臨摹開始，寫生、創作循序漸進，在中國畫的教學中要與時俱進，注重學生創新能力的培養與提高。

臨摹是學習傳統的有效方法之一，是中國畫教學的一個重要組成部分。科技論文，臨摹。通過分析研究前人的繪畫作品，提高學生的認識能力和鑒賞能力，在這個過程中要分清精華與糟粕，吸取其精華，去其糟粕，學習用筆、用墨、設色及構圖的各種技法與表現方法。精心選擇好的畫本，認真“讀畫”，研讀作品的意境情趣，分析表現內容、造型語言與形態結構；進而研究用筆用墨、著色技法以及場景的氣氛渲染，在仔細分析畫面的意境、構圖、造型、色彩、技法等因素后，方可動筆。中國畫的臨摹實踐，是認識上由“心讀”到筆臨的過程，這個過程學生主要掌握造型、筆法、敷色、章法四個方面，同時領悟作品的內含與精髓，而不是表面地模仿其面貌。

臨摹是中國畫學習的初級階段，在此基礎上要逐漸地學習對物寫生，拜大自然為師，即要“師古人”，更要“師造化”，寫生的過程是一個認識與研究表現對象的過程，也是提高造型能力和表現能力的過程，同時，也是一個創新的過程。歷代的中國畫家，十分注重對表現對象的觀察與研究。隋唐五代時期的人物畫、宋代的花鳥畫，元明清的山水畫以及現代的繪畫作品，都是畫家對生活的觀察、體驗之后的提煉與升華。無論是古代的還是現代的畫家，他們都把真切具體的形態描寫與意境表現放在重要的地位，他們認真選擇表現對象，同時認識、分析研究所要表現的對象，由表及里，由外到內，多角度地選擇，做到胸有成竹，有感而發。

對表現物象進行深入地觀察，是深刻認識客觀對象的第一步。任何對象，要表現它，首先要認識它，了解它，弄清它的特性。畫人物，不僅要研究人的基本比例結構、外貌特征，還要研究其精神氣質與個性特點等等；畫山水和花鳥，就要到大自然之中去領略，要認真地觀察與研究，了解其外部特征與內在精神以及文化內涵和寓意。這個過程的觀察首先要從整體到局部，研究其共性、個性等特征，認清其本質面貌，然后對各個細節進行分析研究，做到真正認識它。自然的形態生動豐富，但同時又顯原始、粗糙，因此，寫生的過程是一個高度概括和提煉與加工的過程，寫生時既要忠實客觀對象，又不能是簡單的直觀描繪，要表達對生活、對表現對象的整體美的感受，既要遵循自然形態的基本規律，又要調動主觀能動性，要用提煉取舍等手法，創造性地進行藝術加工，變自然形象為藝術形象，這個過程中是一個創新的過程。學生可以創造性地構成畫面，既要抓住客觀對象的本質規律，又要運用藝術手法來表現大自然中美的形態，這種靈活的畫面組織方式不僅可以使所表現的對象變得更完整，同時也培養與鍛煉了學生的形象思維能力和想象能力，提高了畫面的組織能力和創造能力。

中國繪畫精于形象而意味橫生，植根于悠久的民族意識和美學傳統，在長期的繪畫實踐中逐漸形成了其獨特的表現風格與特點。中國的繪畫藝術，在表現客觀世界時不是簡單地再現，也不是可視物象的真實復制，而是畫者對客觀世界“物象”的“意象”表現，意象造型使畫家能夠根據需要，選擇和利用形象的各種因素，自由地組織畫面。表現對象時，適度地概括，夸張和變形，同時移入畫家個人的情感、意趣、個性，使中國繪畫的寫意性、抒情性、表現性和藝術性得到充分的體現。

繪畫大師齊白石先生說：“作畫妙在似與不似之間，太似為媚俗，不似為欺世”。科技論文，臨摹。科技論文，臨摹。①中國畫的審美特征是在表現物象時，既不輕視造型，也不拘泥于“形似”，而要求畫出能“傳神”的，體現審美理想“傳其真”的藝術形象，從而使得中國繪畫作品“象”有盡而“意”無窮。“外師造化，中得心源” ②唐代畫家張躁的這一不朽名言，概括了中國畫藝術形象創作的全過程，是中國畫家特有的感受生活的方法和創作情態。

優秀的中國畫作品，都是經歷了由外至內，因物動情，進而由內向外、寄情于物的思考醞釀過程。科技論文，臨摹。所呈現的是天趣與人的精神，是在不知不覺中把自然納入自我，而自己又消融在景物之中，創造的是無我之境。在我們看到的宋人花鳥畫作品中，那些親切可愛的花與鳥的姿態以及魅力均是畫家觀察生活后的創造所得。無論是格法嚴謹的黃家體，還是徐熙的野逸曠達，以及崔白的蕭散風骨，雖風格各異，但呈現出大千世界中生生不息的生命，都能使我們在這些畫中感受到理想的欲望和對生命的愛戀之情。畫面中那一筆一墨和色彩的節奏正是畫家飽滿的情緒與理想的追求，既是大自然生命的律動，也是詩情的蕩漾。畫家感情的流露、精神的物化，在山川與花卉禽鳥中，潛流著無窮的意趣與情思。

繪畫是一種創造，要透過物象的外貌觀察研究它的內在本質，畫家一方面要研究具體形象，另一方面又要集中概括，表現其內在的神韻。唐代張彥遠曰：“古之畫或能移其形似，而尚其骨氣。以形似之外求其畫，此難可與俗人道也，今之畫，縱得形似，而氣韻不生，以氣韻求其畫，則形似在其間矣。”③中國繪畫氣韻生動，以形寫神，不是簡單地對物象作純客觀的描摹，而是要賦予物象感情，滲入作者氣質與品格，達到“形神兼備”的最高藝術境界。

借鑒運用傳統技法，目的還是在于表現自己對現實的感受，反映時代精神，創作出有自我個性的繪畫作品。宋代郭熙飽游飫覽，“胸貯五岳”；元代趙孟頫“久知圖畫非兒戲，到處云山是吾師”；明代董其昌讀萬卷書，行萬里路，方可作畫；清代石濤“搜盡奇峰打草稿”；近代畫家齊白石案頭養螃蟹，日夜觀察，畫出了栩栩如生、姿態多變的螃蟹。學習中國畫離不開傳統文化，脫離不了自然造化，美學思想與審美要求的與時俱進，方可以創作出具有時代氣息的繪畫精品。

宗白華先生說，中國畫家是以即高且遠的心靈眼睛，以小觀大俯仰宇宙。中國畫家對美的觀照是全方位的，“胸有成竹”，“胸中自有丘壑”，“一氣呵成”等都是這種審美整體性思想的描述。科技論文，臨摹。中國畫的審美基礎孕育了中國傳統文化，臨摹不僅僅是學習中國畫的表現技法，更重要的是學習中國傳統的美學思想和審美要求；寫生及對自然的研究是創造“天人合一”理想世界的前提之一。隨著時代的發展，中國畫的內容和形式不斷創新，表現力也更為豐富，中國畫的教學，臨摹是手段，創新才是目的。科技論文，臨摹。在學習與繼承傳統的同時注入新的美學因素，使學生的審美能力、實踐能力和創新能力不斷提高，從而創作出具有時代精神的中國畫作品。

參考文獻：

①汪流等編《藝術特征論》第20頁，文化藝術出版社1884年6月

②王伯敏《中國繪畫史》第211頁，上海人民出版社1883年

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從現有史料來看，我國國畫藝術已有七千年發展歷史。在長期的藝術實踐中，中國畫形成了與世界上其他畫種顯然不同的藝術特征。

從繪畫材料工具到表現方法與藝術技巧，與西方藝術相比，形成了鮮明的對照。它深深地植根于中國人民之中 ，為中國人民所喜聞樂見。就是西方人也對中國過去的藝術贊嘆不已。它有著極其豐富的經驗，極其高超技藝，具有西方藝術不能具有的特有的藝術魅力，成為人類藝術寶庫的寶貴財富。一個時期以來，我國美術界的某些人在認為“傳統中國畫正面臨著走向死亡的必然命運”①的同時，異口同聲地提出了全盤西化的主張美術論文，時至今天，中國畫仍然放射出燦爛的光輝，應隨著時代的推進，發展到更高更新階段，為發展人類的藝術事業作出更大的貢獻。

現實主義②是藝術發展的客觀規律。這是十九世紀杰出的現實主義藝術家庫爾貝提出來的。其實，現實主義早已存在人類藝術的發展過程之中。它隨著時展而發展，促進了人類藝術事業的不斷發展，不斷前進論文開題報告。西方是這樣，東方也是這樣。西方文藝復興時期的達.芬奇、米開朗基諾、納斐爾，十九世紀的庫爾貝、米勒、羅丹等都是現實主義的藝術大師。

在中國畫史上，現實主義的藝術思想和創作方法也得到了充分體現。

六朝時期的顧愷之、唐代的吳道子都是當時的現實主義的杰出代表。在山水畫方面體現得更為突出，在唐以前，山水畫尚處在萌芽初創時期，唐代以后經歷了六次大的變革。到大小李是第一次變革，到荊關董巨是第二次變革，到李成范寬是第三次變革，到劉李馬夏是第四次變革，到大疵、黃鶴是第五次變革，到石濤是第六次變革，經過六次大的變革，現實主義在山水畫領域得到了更大發展。在花鳥畫方面，從徐渭、山人以后，現實主義創作方法也得到較大的發展。

在理論方面美術論文，現實主義思想更有重大發展，而且比西方早得多。在東晉時期，顧愷之就在過去注重寫實的基礎上提出了“以形寫神”，“形神兼備”③的觀點。他認為在人物畫方面，不但要形似，而且要寫出人物的獨特精神風貌，這就是恩格斯提出的要塑造出“典型環境中的典型性”④。在這里要特別提一下的是，顧愷之這一精辟論點，也不是他隨心所欲地自己臆造出來的。應很好了解一下當時的時代背景，東漢未年，魏氏鑒于人士流移，考詳無地，立九品中正之制，把當地人物評為九等，供政府選用，于是對人物的品評議論成為當時議論的中心。當時對人倫鑒識重在道德、節操、忠孝、氣節、儒學的品評。到曹操時代產生了很大變化，曹操反對儒學那一套，他多次下令，“夫有行之士，未必能進取，進取之士，未必能有行也。”⑤“陳平非篤行，蘇秦豈守信耶”⑥美術論文，曹操自己也無操守，更不忠于漢。曹操、司馬懿等皆不美，不但身形矮小，而且儀容不雅。如以美論人，就會得罪上層人物，但“精神”、“神情”還是值得重視的。實際上出色人物的“神”皆不一般。于是“精神”就為鑒賞人物所重視，到東晉，人倫鑒識由政治上的適用性逐漸變成對人的欣賞、士人名流論人言必神情風貌，顧愷之也是當時名流，自然皆以“神情”為標準。整個社會 評品人物輕形重神，為人畫象，當然也以傳神為主。可見“以形寫神”之說，來自社會需求。體型美不美不關重要，畫出一個人物的獨特神情和本質特征就可以了，而能表現一個人的本質特征的，正好又是一個人的眼神。即來源于生活，來源于社會需求，來源于創作實踐，這就是從現象到本質，也是從形到神，這就是現實主義思想與現實主義創作方法在人物畫發展過程中的具體體現論文開題報告。

在顧愷之人物畫上提出“以形寫神”的論點的基礎上，六朝山水畫家姚最，又在山水畫方面提出了“學窮質表美術論文，心師非化”⑦的論點。就是主張從現象到本質進行深入探討，并從本質上心領神會地反映出作者的親身感受。唐代山水畫家張操又經過自己的創作實踐，在姚最的理論基礎上提出了“外師造化，必得心源”的論點。他們都是強調要認識事物的本質特征，心有感受地通過形象抒發出自已的思想感情和意趣情操。這些理論說明現實主義在山水畫領域又得到了進一步發展，到五代，經過山水畫家的藝術實踐，又在前人的理論基礎上提出了“圖真”說。“真”是藝術的“真”。意思是來源于現實而又高于現實，達到本質的藝術的“真”。到清代，石濤輩山水畫家更是在突破前人陳法的基礎上提出了“筆墨當隨時代”⑧的新論點，更把現實主義的思想達到了一個新的階段。由此可見，中國國畫藝術的發展都是和現實主義在中國的發展一脈相承的。前人早已知道了要認識事物的的本質特征并塑造出能反映本質特征的典型形象來抒發自己胸中的逸氣。由此可見，現實主義在中國繪畫藝術的發展過程中是源遠流長的。

晚清以后，隨著西方思想文化的引進，現實主義又在中國的發展史上得到了進一步的發展，形成了中國繪畫藝術發展的優良傳統。

參考文獻：

①王春立，挺直民族的脊梁----關于中國畫現代化的思考，《國畫家》2002/2，P31。

②REALISM，《現實主義》。

③張守濤，東晉畫家顧愷之。顧愷之，〈〈畫論〉〉。

④童慶炳，〈〈文學概論〉〉。

⑤、⑥崔懷義，談曹操的管理心理思想及其對現實的實踐意義

⑦姚最《續畫品》云：“謝赫，……至于氣運精靈未窮生動之致，筆路纖弱，不復壯雅之懷，然中興之后，像人莫及。……”

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一、高校中國畫教學發展概況

中國畫是中國傳統文化的重要組成部分，從上世紀50年代開始，因美術學院的必起，中國畫教學形成以徐悲鴻、潘天壽為主的兩大教學體系。這兩大教學體系各有所長，徐悲鴻教學體系重素描基礎，潘天壽教學體系重筆墨訓練。在這兩種教學體系影響下，中國畫教學成績卓越，人才輩出，如出現蔣兆和、李可染、周思聰等，他們既是畫家，又是教育家，既創作出了優秀的作品。又培養了出色的學生，同時也創建了近代中國畫高等教學體系，對當代中國畫教學產生了深遠的影響。

進入二十一世紀，在市場經濟的條件下，人們的思想意識、價值觀念、生活方式等都發生了重大改變。隨著高等教育的發展，很多院校都相繼開設藝術專業，使高等教育由精英教育轉向大眾教育。中國畫作為中國傳統文化的重要組成部分，是我國目前的第一畫種，同時又是藝術設計不可缺少的文化元素，對藝術設計作品文化內涵的提升有關鍵的作用，很多院校仍將中國畫作為藝術專業的主要課程。但在實際教學中，由于各院校師資力量不均、發展目標與方向定位不清，中國畫教學無論從人才培養方案、培養目標及課程的設置上，都和傳統的教學體系沒有多大改變，導致專業應用型不強，學生畢業找不到合適的工作等局面。因此。根據社會發展實際情況，合理的調整中國畫專業人才培養目標與課程設置已勢在必行。

二、中國畫專業人才培養方案

中國畫是一個獨立的畫種，在我國有著悠久的歷史，是美術學專業首選的學習內容：中國畫所具有的獨特魅力，又為其他兄弟藝術的發展提供深層的精神力量，又是其他藝術專業可持續發展的根基。隨著社會用人標準的轉變，高校應為社會培養應用型人才，社會需要什么人才，學校就要制定出相應的人才培養方案，因此，高校中國畫教學應根據自身的專業特點，確定其人才培養方向。盡管各類院校性質不同，但中國畫專業培養目標可概括為以下幾個方向：一是培養具有一定表現能力和創作能力的中國畫專業人才(畫家){二是培養能在中小學從事教學工作的美術教師；三是培養能夠從事與美術相關的設計人員或管理人員等。

不管中國畫專業培養方向如何變化，但總體上都要求學生注重思想品德和藝術修養的全面發展，掌握中國畫造型手段、表現技法、創作技能及專業理論知識，注重學生創造力的發展，繼承和發揚優秀的文化藝術傳統，建構一專多能的知識與能力人才培養體系。

三、中國畫課程設置與培養目標之間的矛盾

人才培養目標實施的立足點在課程體系的構建上，面對日益激烈的高教發展態勢，專業建設成為最重要的基本建設，只有根據專業特點做出明確判斷，不斷深化專業課程教學改革，才能培養個性鮮明的應用型人才。

中國畫的課程設置應與培養目標相對應，但實際上，高校中國畫的課程設置并沒有隨著時展而做出及時的調整。多數院校在課程設置上還是沿襲了傳統的教學體系，雖略有不同和改動，但也是如出一轍，體制上還是沿用分科教學，即人物、山水、花鳥教學。課程設置大體為：一年級為造型基礎課程，課程包括素描、色彩、速寫、透視、中外美術史等；二、三年級為專業方向課程，課程包括花鳥(寫意、工筆)、山水(寫意、工筆)、人物(寫意、工筆)等；四年級為畢業創作、畢業論文。

這種中國畫課程設置基本上代表了當前高校中國畫教學的整個情況。如果按照培養目標，我們不僅要質疑這樣的課程設置是否能培養出社會需要的人才，首先是中國畫專業人才(畫家)的培養，要求這種人才不僅具有高超的繪畫專業技能，還要掌握畫理、畫論及傳統文化知識，以上課程設置體現出的是課時不夠，人物、花鳥、山水課程在短短的兩年時間完成，只能達到普及專業培養的程度，不能做到高、專、精的培養目標；其次課程內容不合理，中國畫專業是否開設素描課程一直是個爭議的話題。素描是一種科學、嚴謹的造型手段，可以為寫實繪畫創作打好專業基礎，素描在基礎訓練中的作用是正確的，而中國畫是意象造型，更注重于物象的精神氣韻，中國畫采用骨法用筆，造型不是主要的，所以強調素描在國畫教學訓練中的作用，就丟失了中國畫本質的東西，尤其對花鳥、山水等內容的學習作用不大。另外這樣的課程設置缺少繪畫理論知識，很難培養出專而優的繪畫人才：再者這種課程設置對中小學美術教師的培養也不夠明確。師者傳道、授業、解惑也，需要對學生全面提升藝術修養和傳授系統的知識。中小學的美術教學，僅僅掌握一種專業知識是遠遠不夠的，由于中小學美術課程動手性比較強，內容寬泛，這就需要學生還要學習相關的美術專業，如油畫、版畫、民間美術等專業；另外中國畫課程設置對藝術設計與藝術管理人員的培養目標也不到位，學生在專業學習中只局限于是本專業的技能學習，畢業生走上社會后，一部分學生會在設計公司工作，或在相關單位從事宣傳工作，那么專業知識的單一狹隘性就凸現出來，會為工作帶來巨大的障礙，所以必須要了解一些與設計有關的知識。以上這些因素，使學生學到的東西遠遠滿足不了工作的需要，所以，必須按照人才培養目標的要求，對中國畫課程設置進行重新定位。

四、中國畫課程設置布局

實現人才培養目標，必須對課程設置進行合理的布局，根據人才培養方向，進行課程設置。首先作為培養具有一定表現能力和創作能力的中國畫專業人才(畫家)這一培養目標，在中國畫課程設置上，應適當調整造型基礎課程，壓縮素描課程。素描對于學生造型能力的培養盡管很重要，但中國畫有自己獨特的造型方式，強調對線的把握與運用，因此，可以采用白描與速寫相結合的方式，代替傳統的素描基礎訓練。加強對書法課程的學習，書法用筆的剛柔、輕重、頓挫、緩急等變化與中國畫的用筆有著直接關系，加強書法課程的學習，既可以提高中國畫的表現技能，同時可以加深對中國傳統文化藝術的修養。另外中國畫在長期的發展過程中形成固定的表現題材(花鳥、山水、人物)，每種表現題材又有特定的表現技法(工筆、寫意)，學生不可能在有限的時間內全部掌握，因此，在課程設置中，可根據師資情況和學生的愛好，挑選一兩門專業方向供學生選學。

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文化館擔負著提升青少年藝術素質的重要責任，而利用藝術培訓等手段開展美術鑒賞活動，是提高青少年藝術素質的重要手段。美術鑒賞活動是一種藝術審美活動，也是一種富有內涵的審美教育。從目前文化宮開展的青少年藝術培訓的內容而言，我認為現行的藝術培訓功利性太強，^分強調藝術培訓的考級功能，忽視藝術培訓的審美教育。主要表現在美術鑒賞活動中淺嘗輒止，不能深入揭示美術作品的精神內涵，不能把形式、內容和意義進行有效整合，不能很好地發揮美術鑒賞活動的人文教育作用。從文化宮藝術培訓的美術鑒賞活動的方式方法來講，大多數指導者依然采用傳統的師徒傳授法，缺少指導方法的多樣化。這一切，都使得美術鑒賞活動的審美教育價值大打折扣。本文從文化館對青少年藝術教育的視野入手，談談青少年美術鑒賞活動的基本問題。

一、融入現實生活，體驗藝術真味

任何一件富有生命力的美術作品，都源于現實生活。因此，以青少年的“學”為中心的美術鑒賞活動，就要以青少年的生活經驗為基礎，把他們的鑒賞目光從書本引向現實生活，讓青少年在現實生活中感受和體驗藝術的真味。一是要引領青少年從現實生活中追尋經典。要讓青少年明白，現實生活中隨處可見蘊含經典之美的藝術作品。如具有蘭溪精神之韻味的蘭花女雕塑，就蘊含著美國自由女神的神韻。美術鑒賞活動中我們可以帶領青少年到中洲公園去鑒賞蘭花女雕塑。把蘭花女與自由女神聯系起來，進行對比鑒賞。把美術鑒賞活動與野外寫生，詩歌創作結合在一起，從多個層面來鑒賞這座體現蘭溪風格的雕塑。又如當今廣告牌隨處可見。盡管很多廣告牌涂畫的亂七八糟的，但也有不少很有審美價值的藝術性不錯的廣告，從這些廣告中我們可以發現經典。如世界經典名畫《蒙娜麗莎》、《向日葵》、《記憶的永恒》等被不同形式地融入廣告畫中，產生了非常好的廣告效應。因此，只要我們留心觀察，身邊并不缺少經典，在日常生活中我們可以發現美術經典的神韻和靈魂，我們從日常生活中同樣可以近距離地審視經典藝術之美。二是引領青少年體驗生活中的大眾藝術。不同與經典藝術，大眾藝術追隨的是時尚和通俗，雖然它往往魚目混珠，常常會混雜一些不健康的東西。但大眾藝術表現形式滿足大眾審美心理需求，迎合大眾口味。因而大眾藝術的生活味更濃，更容易為青少年所接受。當然，利用大眾藝術進行美術鑒賞活動時，美術鑒賞活動的指導者要積極引導，幫助青少年明辨美丑，把健康的大眾藝術推薦給他們。如出現在街道墻體上的一些宣傳畫、公益廣告畫，圍繞環境保護，美化蘭城，交通安全，遵紀守法，和諧家園、計劃生育，運動健康等主題，積極宣揚社會主義的主流文化和社會主義核心價值觀，不僅具有很好的審美價值，而且具有十分重要的教育意義。此類藝術作品就十分值得我們推崇。

二、尋找背景故事，助讀作品內涵

美術鑒賞活動的主要對象是古今中外的經典畫作、雕塑和建筑藝術。在青少年的藝術培訓中，我們可以提供更多的名家作品讓他們觀賞。但要真正解讀這些作品的藝術內涵，僅僅靠觀賞是遠遠不夠的。我們還應該走進這些作品的背后，去深入了解作品背景的故事。一般情況下，我們在在介紹作品時，大多會作一些簡短的關于作品的歷史背景、創作者的生平，還有作品本身的主題和內涵的介紹，這樣有利于幫助學生更深入地解讀作品的內涵。但美術鑒賞活動僅僅停留在簡單地提供歷史背景、人物生平等的了解層面上是不夠的。我們還應該引領青少年進一步探尋與作品相關的背景故事。從故事切入，深挖作品的內涵，直至真正觸摸到藝術家的心靈搏動，讓青少年感同身受地體驗到藝術家創作的原初體驗。

首先是通過故事走進藝術家的情感世界，讓青少年感同身受。在《外國美術作品巡禮》的美術鑒賞活動中，我們可以讓青少年鑒賞蒙克的《吶喊》。這一作品是蒙克采用象征和隱喻的手法，所創作的生命組畫中表現最為強烈和最富有刺激性的一幅。對于今天的青少年來說，很難理解藝術家在作品中所表現的那種極端孤獨和苦悶甚至恐懼的情感的。這時我們不妨用蒙克的身世來激發學生的情感體驗。蒙克一生境遇十分悲慘，五歲死了母親，二十五歲時父親也駕鶴仙去。兩個姐姐一個早逝，另一個在精神病院度日。蒙克自己也一生飽受納粹的欺凌，歷盡坎坷。讓青少年了解了蒙克的身世后，醞釀了相應的情緒，再來鑒賞《吶喊》，就容易體驗到作者的情感世界了，從而也就能夠水到渠成地理解了作品的主題。

其次是通過故事加深對藝術作品的內涵的理解。如教學《奧運精神》一課，我們在引領青少年欣賞《擲鐵餅者》時，如果直接讓青少年思考《擲鐵餅者》表現了一種怎樣的美，反映了一種什么樣的精神？他們也許能夠依據課本提供的信息作出正確的回答。但他們的內心感受并不深，不會有對作品主題的深刻理解，只能是空對空地就問題回答問題。這不是真正意義上的美術鑒賞活動。在這里如果我們能夠穿插關于古希臘奧運故事，介紹古希臘奧運精神孕育和發展的時代背景。讓青少年明白，古希臘時代，征戰不斷，在冷兵器時代，征戰靠得是健壯的體格和勇敢無畏的精神。因此，男子的健壯美就成了當時追求的時尚美，為了迎合征戰需要，體育競技也凸顯了這種“力”與健美的較量。這樣他們就能進一步理解古代奧運精神的實質。

三、注重由外及里，探究美術意蘊

一件美術作品的美是由內容美、形式美和意蘊美組成的。美術作品的內容美是通過獨特的美術語言來詮釋的；美術作品的形式美是通過藝術形象來表現的；而美術作品的意蘊美是深藏在作品中的詩情畫意、人生哲理和精神內涵。因此我們在美術鑒賞課中引領青少年審美，就要從內容、形式入手，由外及里，深入探究美術意蘊。

第一，理解美術作品的內容美。我們在青少年藝術培訓中開展美術鑒賞活動，所選的美術作品要具有濃厚的生活氣息，也就是說在內容上能夠直接反映社會生活。而內容美就是作品所反映的生活美。因此，要讓青少年理解美術作品的內容美就要讓青少年熟悉作品所反映的社會生活。如董希文的油畫《開國大典》，就突出地表現了內容之美。對于大部分青少年來說，畫面中的莊嚴和喜慶并不一定能夠理解。我們可以通過相關視頻介紹祖國獨立，“中國人民從此站起來了”的莊嚴時刻。這一時刻是多少仁人志士拋頭顱灑熱血換來的，是中國人民盼星星，盼月亮好不容易盼到的時刻。油畫《開國大典》抓住了這一中國人民永世難忘的時刻，盡顯了內容之美，這樣他們就容易理解了。

第二，關注美術作品形式美。美術作品種類繁多，不同類型的美術作品有著不同的形式美。依據工具和材料的不同，美術作品可分為繪畫、雕塑、工藝美術、建筑藝術等，不同類型的美術作品形式美的表現很不相同。要讓青少年鑒賞美術作品的形式美，就要讓青少年熟悉不同類型美術作品形式美的特點。就以繪畫作品來說，又可分為國畫、油畫、水粉畫、素描，不同的繪畫形式所追求的形式美也各有特點，如國畫追求的是筆端的變化，用墨的韻味。而油畫強調的是渾厚而豐富的色彩，氣氛濃烈的質感。不管何種形式的美術作品，點、線、面、構材、色彩、肌理、明暗是表現美術形式美的基本語言。鑒賞美術作品的形式美，要從最基本的美術形式語言入手去解讀。

第三，深入美術作品的意蘊美。美術作品與文學作品一樣，它總是要表現一定的主題思想，而所表達的主題思想越豐富，越深刻，就越能顯示其意蘊美。美術作品的意蘊美是內在的，只有用心體會才能把握。許多經典作品，之所以盛傳不衰，就是因為意蘊深厚。不同歷史時期的美術作品所追求的意蘊是不同的。因此我們在鑒賞美術作品意蘊的時候，一定要抓住其時代特征。如鑒賞文藝復興時期的美術作品，我們就要用心品味融入作品的那種強烈的人文主義追求，欣賞作品對人性的贊美，對自由的向往，對博愛的倡導等。而對中國畫的鑒賞，要重點體會蘊含在作品中的詩情畫意，要像鑒賞詩歌一樣去品味中國畫的意境。

【參考文獻】

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自2012年春拍始，當代水墨在國內保利、嘉德拍賣的力推下，市場熱度明顯升溫，許多畫家的作品都拍出了不菲的高價。當代水墨的收藏與投資引起藏家關注，可否進行收藏投資？哪些畫家具有升值潛力？怎樣才能規避風險？

當代水墨收藏有機會有風險

當代水墨因其在題材、技法、觀念上均有別于傳統的中國畫，近些年來得以迅速發展，它以其鮮明的時代感，突出的視覺張力，成為當代中國畫一股不可或缺的新興力量。

當代水墨由于在作品真偽上較為安全，價格又相對低廉，畫風比傳統的中國畫新穎，時代感強，未來升值空間大，所以開始受到藏家的關注。在2012年春拍中，一些當代水墨的實力派畫家均有不錯的市場表現，如谷文達《遺失的王朝》（115萬元），武藝《老隊長》（17.25萬元），李津《美女如花》（14.95萬元）。價格上漲的勢頭十分明顯，當代水墨有望成為拍場上的新寵。

當代水墨作為一個相對較新的收藏品種，盡管收藏投資機會不小，但眼下面臨畫家水平魚龍混雜、繪畫風格復雜多樣、未來發展變數較大等諸多問題，藏家如何做出正確的選擇十分關鍵，否則投資風險也依舊不小。筆者以為，既要選擇對路的風格流派，在畫家的選擇上也是不容有失。風格選擇錯了，收藏風險大，而畫家若選擇失誤，投資很難成功。

目前國內當代水墨大體有三種畫風流派，一種是完全運用西方繪畫觀念的現代水墨，如谷文達、仇德樹、杜大愷、徐累、朱偉等，他們的繪畫更接近西畫，作品抽象、設計或裝置的元素更多。第二種就是“中西合璧”型的，以“艷彩繪畫”的郭泰來為代表，借用西方的繪畫語言符號，但情調還是中國的。第三種就是偏重于傳統筆墨技法，但題材內容非常現代鮮活，如李津的《美女圖》。總體上來講，第一種由于過于接近當代藝術，遠離中國畫的水墨精神味道，未來變數較大。而后兩種“中西調和”和“偏于傳統”的當代水墨則收藏風險較小，可以大膽投資。

原創性是投資成功之保證

對當代水墨畫家來講，作品的原創性至關重要，是畫家生存的根本，也是藏家收藏投資保值的保證。藏家在選擇作品時，一定要優先考慮畫家是否有自己的原創性。具有原創性，畫家未來就有發展的空間和機會；缺乏原創性，畫家很多時候只能是曇花一現。對當代水墨畫家而言，原創性就是畫家的標簽，收藏沒有原創性的畫家的作品，結局只能是失敗。

當代水墨之所以受到市場的青睞，作品原創性的魅力無疑是占首位的。比如開創“艷彩繪畫”的畫家郭泰來，其作品突出了中國畫的表現性與裝飾性，強調色彩的張力，為當代中國畫開辟了一種新的發展途徑，在林風眠和吳冠中之后將中國畫在中西合璧方面又向前推了一步，收藏投資這樣的畫家作品，毫無疑問成功的機會較大，升值的空間也較大。收藏當代水墨如果不注重原創性，畫家僅僅是泛泛的表面上的花樣翻新，而缺乏根本性、顛覆性的新意，這樣的畫家定位不高，其作品價值也不大。

篇（7）

審美素質是指審美主體觀察美、認識美、創造美的綜合能力。審美素質的優劣取決于審美主體的審美文化素質和藝術修養的高低。動漫設計是“朝陽”產業，動漫產業的重要組成部分包括動畫和漫畫。

一、通過美術鑒賞，提高動漫專業動漫專業的學生的審美能力

在動漫專業教學中，我們可以通過開設《美術鑒賞》課來提高動漫專業學生的審美和審美再創造的能力。

審美文化素質的培養包括動漫專業的學生的審美感知，審美情趣和審美能力的提高，審美感知有與生俱來的一部分也有后天培養出來的一部分，同一物象，為何不同的人有不同的審美結果，是因為他們的審美感知的差異。例如秀才和賣燒餅的農夫他們同時看到月亮，秀才會被月亮的審美特征所吸引，處境生情地吟詩感傷，而賣燒餅則會聯想到他要賣的燒餅怎么還沒賣完。這就說明不同文化素質的人的審美感知是千差萬別的。動漫設計的審美包括內容美和形式美。

首先，我們應通過提高同學的文化素質，幫助他們理解動漫設計的內容美的真正內涵，內容美的內涵很寬泛，有社會美、精神美等，主要是弘揚真善美，摒棄假惡丑。內容美不僅僅指你表現的人或物是美的就可以了，關鍵是你表現的主題是否是向上向善的。畢加索的一幅油畫表現了一位瘦骨嶙峋的老婦，仍然很美很震撼，這是一種凄美，又凝聚了強烈的人文關懷，比很媚俗的性感的女體可能更觸動人的心靈。因此，動漫設計要注重內容美的表現，創意上要弘揚社會向善向上的主旋律，中國的許多動畫片都是表達懲惡揚善主題的，比如，上海電影制片廠的《九色鹿》弘揚的就是善良和正義終究會戰勝陰險和邪惡，九色鹿出于善心救了溺水人，而溺水人后來在利欲的驅使下，恩將仇報出賣九色鹿，九色鹿據理力爭，說服了國王，贏得了正義。這樣的動畫片是以一種視覺語言訴說正義和善良之美。因此，動漫設計的教學要注重創作內容美的表現，選擇內容和主題健康的作品讓同學來欣賞，使動漫專業的學生形成健康向上的創意理念。現在有些動漫專業的學生喜歡在動畫作品中表現血腥和暴力，這是應該堅決制止的。弘揚動漫創作的內容美決定了我國動漫設計的品位和精神境界，所以，高校教師應倡導動漫專業學生在動漫設計中凸顯內容美。

其次，美學是以認識美和評價美為核心的科學。美學是有關認識美和創造美的科學，能提高人文素質。為了提高高校學生的審美素質，許多學校開設了美育課，以提高學生的審美素質，對于高校動漫專業學生而言，審美素質的高低直接影響了動漫產品的審美品位的高低。因此，美術鑒賞是動漫設計專業學生提高審美能力的直接有效的方法。美術鑒賞是人類特有的精神活動，審美客體美術作品可以把欣賞者帶到一個特定的藝術境界，審美主體可以根據自己的審美經驗、知識及藝術修養拓展藝術形象的內涵，使藝術形象更飽滿，更具內涵。美術鑒賞是一種審美再創造，是培養學生審美再創造能力的重要途徑。美、美感和藝術是美學的重要問題，美術鑒賞是提高學生美感體驗的重要方法，美術作品欣賞得越多，審美能力提高得就越快，“操千曲而后曉聲”講的就是這個道理。美術鑒賞是將抽象的審美理念通俗化的重要途徑，因為直觀的美術作品可以將抽象的審美理念變得通俗易懂、生動形象，有利于提高動漫專業學生的審美素質。

美學的理論是抽象的，其中有關優美和崇高的解釋是學生難以理解的問題，通過作品比較提高欣賞能力最有效果。比如，將有關維納斯的作品在一起比較鑒賞，以便充分理解優美和崇高的含義。“端莊雜流麗，剛健含婀娜”，這種審美典范是古今中外、男女老少共同的審美理想，《米羅斯島的維納斯》的震懾力來源于雕塑的優美和崇高，她的形體的曲線是有韻律感的，螺旋上升中又尋求著力的均衡，表象既有西方女性的活力四射，又有東方女性的內斂和矜持。上身的和下身衣裙形成和含蓄的對比，人們看到這一雕塑，已經忘卻它是冰冷的大理石，而感到它的溫度感和生命力。相比之下，《克尼多斯的阿芙羅底德》雖然自然優美，但缺少活力與生氣；《昔蘭尼的阿芙羅底德》雖然竭盡全力地表現女性的人體美，豐滿的肌體婀娜多姿，但嫵媚有余，端莊不足；《巴特列的阿芙羅底德》嫵媚迷人、朦朧含蓄，內在的靈性與睿智卻微乎其微。它們只能給人以興趣的玩味、純粹的感性的形式美，這也是它們與《米羅斯島的維納斯》的天壤之別。通過作品比較，學生懂得內容美與形式美的區別，明確真正的藝術美是內容美與形式美的高度統一，從而進一步理解藝術的真正內涵，理解美學中的抽象理論，并將美學理論與藝術實踐――美術鑒賞緊密相連，使美學不再是玄學，而是指導人們藝術實踐的重要學科，美學理論也成為對各藝術實踐具有指導意義的理論基礎，提高動漫專業學生的審美能力。

通過作品比較進行教學，動漫專業學生清楚地認識到：“有比較才有鑒別。”馬克思曾說：“藝術對象創造出懂得藝術和能夠欣賞藝術的大眾。”這就是說：按照美的原則創造出來的藝術品，反過來又會對人起著美的教育作用，從而提高人們欣賞藝術的能力。這種欣賞藝術的能力的積累，就是人的藝術素養和審美能力。而這種審美能力的培養，主要是通過藝術鑒賞的實踐。欣賞藝術作品愈多的人，就愈能鑒別和欣賞藝術。“凡操千曲而后曉聲，觀千器而后識器。”就是講的這個道理。因此，多鑒賞一些古今中外有代表性的美術作品是提高藝術素養和審美能力的重要途徑，正是本著這樣一種精神，我們在高校美術鑒賞教學中，應該多運用作品比較分析，使美學中的深奧理論形象化，使動漫專業學生在藝術實踐中認識掌握美學的相關理論知識，因為美術鑒賞本身就是一種審美再創造，人們在欣賞的過程中，可以進入一種特殊的審美境界，并根據自己的審美經驗、知識及藝術修養，從藝術作品中獲得不斷更新的審美經驗和審美享受。這無疑是提高審美能力的最佳途徑，也是學好美學的重要方法，更是使美學理論成為指導藝術實踐的關鍵。美學教學還應該注意精心選擇作品，適時進行啟發、引導，講究科學性、典型性和藝術性，這樣才具有強烈的美感和審美再創造的可能性。因此，運用作品比較的方法，有利于動漫專業學生理解美學中所講的三大核心問題：美、美感和藝術。因為美學的研究對象就是人對現實的審美關系，美術鑒賞的過程本身就體現了人對現實即美術作品的一種審美關系，而對于這一關系的理解和把握更有利于動漫專業學生審美能力的提高。當然，普通高校的審美教學，進行作品比較的范圍很大，只要我們去探索、去實踐，就能更好地發揮這一學科在當前審美教育中的優勢，在素質教育中發揮更積極的作用。

二、引導動漫專業的同學表現動漫設計的構型美

動漫設計專業學生應深刻理解和靈活運用構型美。美術作品的構型包括以線構形和以面構形兩種形式，對于動漫設計專業學生來講，這兩種形式都應理解它們的審美特征并加以靈活運用，這樣才可以得心應手地創作動漫角色。

理解以線構形和以面構形兩種構型形式的不同審美特征。

第一，以線構型具有濃厚的東方情結和中國元素，因為中國畫的基本特征就是以線造型，線條在中國繪畫中是有意味的形式：畫家通過線條的長短、曲直、疏密、起伏來表現畫家的心境和對生命的體驗，甚至可以表現他們對社會的評價。比如：坡的《枯木竹石圖》就是利用粗獷的曲直對比強烈的線條來表現怪石和枯樹，從而抒發他磊落不平的心境和疾惡如仇的人生范式。我國初唐“畫圣”吳道子的線條更是隨心流轉，在他的作品《送子天王圖》中通過線條來表現人物的情態，天王的威風凜凜，皇后的端莊秀麗，侍女們的婀娜多姿，甚至可以表現火光的流動。線條在中國繪畫中具有無窮的生命活力，創造了意味深長的意境。動漫設計專業學生應發揚中國繪畫線條的表現魅力，創作具有濃厚中國情結和彰顯中國元素的動漫設計作品，例如，用方直的線條來表現剛毅堅強的性格，用柔和的曲線來表現溫順善良的性格。

第二，從事水墨動畫設計的學生應掌握運用中國線條的獨特韻味。通過線的流轉，墨色的濃淡表現不同的意境。中國早期的水墨動畫《小蝌蚪找媽媽》就是成功運用中國畫線條來構型的成功例證。

三、啟發動漫專業的同學展示動漫設計的色彩美

動漫設計專業學生應巧妙運用色彩美。色彩在動漫設計中起著舉足輕重的作用，人們對動畫片中色彩繽紛的《九色鹿》記憶猶新，對色彩鮮艷的《挪扎鬧海》難以忘懷，都是色彩留給觀眾的余味無窮的藝術表現。中國動漫創作非常注重色彩的裝飾美，在裝飾色彩的表現中，可以打破常規色彩的約束，隨意創作，比如土地可以不是土黃而是藍色，天空可以不是藍色而是黃色，根據場景意境表現和角色塑造的需要主觀地表現色彩。中國動畫片中色彩的運用和中國傳統的藝術理念息息相關，譬如，在中國的京劇藝術中白色象征陰險狡詐，黑色代表忠誠正直，紅色代表剛烈勇敢，中國動畫片中角色的色彩設計也運用了這樣的色彩象征意義，動畫片《驕傲的將軍》就是成功的例證。動漫設計專業學生要理解色彩的情感表現特征，在具體的場景和角色塑造上要根據不同的場景需要，選擇恰當的色彩表現，比如表現陰森的帶有宗教色彩的場景需要用藍、綠等冷色來表現，表現欣喜熱鬧的場景應用紅、黃等暖色來表現。

綜上所述，無論是通過美術鑒賞還是表現動漫設計的構形美和色彩美，目的都是讓動漫設計專業學生在欣賞美和創作美的同時，提高審美情趣和審美能力，從而提高動漫專業學生的審美素質，提高我國動漫設計的審美品位，豐富動漫設計的藝術表現技法，促進我國動漫產業的發展。

參考文獻：

[1]張立雙.動漫產品的價值延伸策略研究[J].中國市場，2011，（1）.

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不論繪畫、書法藝術，戲劇、表演藝術，服裝、攝影藝術，音樂、文學藝術，雕塑、建筑藝術等作品，創作作品都需要有欣賞能力之人。落筆文題時，鄙人首先腦海里映現出來的是“高山流水”這個成語故事，因為這個例子恰好適合兩者的關系的論述。

俞伯牙在春秋時期任晉國的上大夫時，奉晉王之命出使楚國。他乘船來到了武漢漢陽江口。遇風浪太大只能停泊在岸邊避風。進入傍晚風停月明恰逢中秋，望著空中的一輪明月，俞伯牙琴興大發，命童子拿出隨身攜帶之琴，趁著月兒專心致志彈了起來。正當他完全沉醉在優美的琴聲之中，俞伯牙突然心頭一驚手下用力不穩，“啪”的一聲，琴弦被撥斷了一根。憑感覺他知道有高人在聽他彈琴。猛然看到在岸邊一動不動地站著一個人。俞伯牙正在猜來人，就聽到那個人大聲地對他說：“先生，您不要疑心，我是個打柴之人，回家較晚，走到這里聽到先生在彈琴，覺得琴聲絕妙，不由得站在這里聽了起來。”俞伯牙借著月光仔細望去，在那人身旁果然放著一擔柴，俞伯牙心里琢磨：一個打柴之樵夫，怎么會聽懂我的琴音呢？于是他就問：“你既然懂得琴聲，那就請你說說我剛才彈的是什么曲子？”那打柴的人笑著回答：“先生，您剛才彈的是孔子贊嘆弟子顏回的曲譜，只可惜彈到第四句的時候琴弦斷了。”打柴人的回答一點不錯，俞伯牙不禁大喜過望，忙邀請他上船來細談。那打柴人看到俞伯牙彈的琴，便說：“這瑤琴相傳是伏羲氏造的。”接著他又把這瑤琴的來歷說了出來。俞伯牙心中不禁暗暗佩服。接著俞伯牙又彈了幾曲，請他辨識其中之意。當他彈奏的琴聲雄壯高亢的時候，打柴人說：“這琴聲，表達了高山的雄偉氣勢。”當琴聲變得清新流暢時，打柴人說：“這后面的琴音，表達的是無盡的流水。”俞伯牙聽了不禁驚喜萬分，自己用琴聲表達的心意，過去沒人能聽得懂，而眼前的這個樵夫，竟然聽得明明白白。沒想到在這野嶺之下，竟遇到自己久久尋覓不到的知音，于是他問明打柴人名叫鐘子期，便和他喝起酒來。倆人越談越投機，相見恨晚，結拜為兄弟。約定來年的中秋再到這里相會。

次年中秋，俞伯牙如約來到了漢陽江口，可是怎么也不見鐘子期來赴約，伯牙四處打聽子期的下落，有人告訴他，鐘子期已不幸染病去世了。臨終前他留下遺言，要把墳墓修在江邊，到八月十五相會時，好聽俞伯牙的琴聲。俞伯牙萬分悲痛，他來到鐘子期的墳前，凄楚地彈起了古曲《高山流水》。彈罷，他流著眼淚挑斷了琴弦，長嘆了一聲，把心愛的瑤琴也在青石上摔了個粉碎。他悲傷地說：我唯一的知音已不在人世了，這琴還彈給誰聽呢？”后人在他們相遇的武漢漢陽江口，筑起了一座古琴臺，現在人們還常用“知音”來形容朋友之間的情誼。

看來欣賞能力的高低，取決于欣賞知識領域的掌握程度。欣賞繪畫藝術你必須知其中國畫、西洋畫的區別，它的發展歷史和繪畫特點，中國畫是以線存形的“形神兼備”藝術，西洋畫是用光為主要造型手段。；了解西洋畫的古典派、浪漫派、印象派、抽象派等，以及中國畫的人物畫、山水畫、花鳥畫、歷史風俗畫的繪畫技巧和繪畫代表。

欣賞書法藝術你必須知其漢字的發展歷史，掌握篆、隸、楷、草的字體特點和代表人物，欣賞者應具有多方面的藝術修養，啟功先生曾經說過：“一個書法家必須是一個文學家，一個文學家未必是一個書法家”。劉勰在《文心雕龍》中有“觀千劍而后識器，操千曲而后曉聲”的名言。意思是你對眾多的劍器有鑒賞的經歷，自然就能辨識其優劣；你會彈奏多種曲調也就懂得了音律。書法也與其他藝術門類一樣，你不了解它的基本規律以及發展也就無從給以準確的評價和欣賞，不然的話你就難以欣賞到書法作品中精、氣、神之美。

欣賞戲劇、舞蹈表演藝術術你必須知其種類，比較流行的劇種有京劇、梆子、晉劇、二人臺、二人轉、秦腔、昆曲、黃梅戲、滬劇、豫劇、川劇、京韻大鼓、西河大鼓、評彈、單弦、山東快書等等劇種的藝術特點，“生旦凈末丑”分別指京劇的什么行當，以及唱腔結構、旋律模式和調性特征。扮演者在抒情、敘事唱腔時吐字清晰為佳，一招一式表演到位為上。舞蹈分古典舞、芭蕾舞、民族舞、民間舞、現代舞、踢踏舞等，舞蹈是一種肢體語言，多用來直接抒發人物的思想感情和揭示人物的內心世界，表觀人物復雜、細膩的思想感情和廣泛的生活內容，欣賞者可以充分結合自己的生活閱歷，去體驗舞蹈的美感和其中的豐富情感，為舞蹈所表達的真善美境界所吸引陶醉，引起內心震顫，進而產生強烈的情緒反應和情感共鳴。

欣賞攝影藝術你必須知其構成攝影畫面形象的條件，了解光學原理，線條，形狀，影調，色彩等視覺元素，掌握攝影藝術的特點。優秀的攝影作品，不僅僅是給觀賞者一種藝術美的享受，更重要的是反映了一個時代的人類進步的特征。不論是人像攝影、風光攝影、新聞攝影或各種專題攝影，都離不開攝影者和欣賞攝影作品者思想認同的差異性和統一性。

欣賞音樂藝術你必須知其樂理知識。一類人聽音樂只求悅耳，只是知覺的欣賞；一類人聽了之后，則能喚起自己的喜怒哀樂，算是情感的欣賞；一類人探求樂曲的結構主題變化，以及作者技巧的運用，那就是高尚者的理智欣賞。

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空格………工筆畫是中國繪畫的一種比較傳統的畫體，它也是一種具有裝飾意味的著色繪畫形式，并且是中國繪畫最早的形態和風格。所謂“工筆”，是指這一畫體所特有的工整細致的筆法。與“水墨”、“寫意”相比較，我國傳統的工筆畫展現出精工細麗的審美面貌。我國的傳統繪畫是獨立的東方藝術體系，在數千年里代代相承不斷演變的體系就始于工筆畫。工筆畫作為中國繪畫最初的語言形式，是以線勾勒、賦色渲染的筆墨表現形式，它不僅成為中國畫各種畫體的基本描繪方法，而且還規定了中國繪畫語言的特質；工筆畫所獨具特色的以線造型的方法，它不僅奠定了中國繪畫造型觀念的基礎，而且還是中國畫所特有的認識方式和觀察方法形成的起點。

一、中國畫特殊的觀察方法是主觀與客觀相結合

中國畫中的花鳥畫的“寫生”傳統重在捕捉自然物象的特質與生命，它的形式基礎是中國畫特殊的觀察方式。所謂特殊，是指它既不是純粹主觀的觀察方法，也不是純粹客觀的觀察方法。為了捕捉自然物象的生命與特質，我國歷代畫論都以能否認真的觀察物體，掌握自然規律作為品評工筆花鳥畫優劣的重要尺度之一。按照“寫生”傳統的價值標準，這種觀察具體說來是要透過客觀物像的表象，捕捉它的物理、物態和物情。所謂“寫生”其實質就是立足于自然與人息息相通之整體，對物象作出本質、全面的把握。現代的與傳統的工筆花鳥畫形態相比，突出強調了主觀感受、感覺、感情乃至潛意識的表達。雖然如此，我國當代畫家所依據的也不是絕對純粹主觀的觀察方法。一方面，主觀的精神內容離不開客觀的觀察內容，離不開與造型直接關聯的物像世界；另一方面，工筆畫的造型要求畫家以客觀的觀察為依據，運用視覺的生理功能和技術作用創造生動的視覺感染力。所以在工筆花鳥畫的主觀抒發中蘊含著對物象精微的觀察，正是由于有了人性的映照和生命的光輝，畫家筆下的花鳥有了靈犀，有了秀麗，有了品格。

二、工筆花鳥畫體現了一定文化心理

我國工筆花鳥畫在古代的發展同樣也經歷了種種風格的變化，如明代呂紀對工筆與寫意、重彩與水墨原有格局的突破，宋代崔白的變格等等，但這是在同一文化形態和社會形態下的變化。就總體而言工筆花鳥畫的古典傳統穩步而持續發展，并且同于皇家花園為中心的宮廷繪畫的關系密切。從畫史上看，眾多工筆花鳥畫的名家諸如黃居、崔白、黃筌、邊文進、呂紀，或職宮廷，或為畫院待詔；而花鳥畫史上的一批精品諸如《出水芙蓉圖》等也多出于皇家宮廷的繪畫機構。工筆花鳥畫同時也適應了封建社會最高階層的審美需要，也體現了當時中國封建體制長期穩定發展形成的一定文化心理。這一傳統在工筆花鳥畫的歷史中長久穩定的散發著影響力，盡管明清花鳥畫的重心逐漸由工筆轉移到體現書畫同源的文人寫意，然而皆未對它的風格形態構成根本的改變。直到本世紀的工筆花鳥畫名家，也是由此入手把握工筆花鳥畫的傳統。

花鳥畫最終是訴諸于人的感情，而不是訴諸于人的知性。所以畫史上對花鳥畫的鑒賞，往往是以其能否表達與人體驗相關的情思為標準。早在中國花鳥畫的成熟時期，流傳于五代的北宋民諺“黃家富貴，徐熙野逸”，就是根據黃筌、徐熙兩位畫家籍花鳥寄托的不同志趣來分別把握兩大花鳥畫風。畫史上關于花鳥畫的專門論文《宣和畫譜?花鳥敘論》提出，“繪事之妙，多寓興于此與詩人相表里焉”。所以，花鳥畫中的花，林木等形象，如果能夠與人意相互引發和結合，“率能奪造化而移精神遐想，若登臨覽物之有得也。”可見，早在中國的花鳥畫成熟時期，就已經在理論上總結到“寓興”的傳統。這與中國文學高度發達的托物言志的傳統息息相關，《論語》借松柏表現堅貞的人格，屈原以英人香草寄托詩人高尚的愛國情操，文學傳統中的某些寓意可以直接成為花鳥畫的“寓興”的審美感受，這既賦予它豐富的典故，又促使花鳥畫步入直覺表現審美感受的階段。所以，中國花鳥畫的命意大多與世事人情相關。花鳥畫家往往緊緊抓住動、植物與人們生活的遭遇，情感志趣的上述諸種聯系，在造型、構圖和筆墨、顏色等方面給以強化的表現。其藝術手段類似于中國古代詩歌中的“賦、比、興”。“賦、比、興”所標示的其實不只是表達情意的普通技巧，而且是藝術家因物感發的不同方式及其將情意傳達給觀者的不同的藝術手段，是對中國外物與藝術人情的感應關系的高度概括。所謂“賦”，即指畫家由對花鳥的直接感受引意，并通過對花卉形象的如實描繪來引起觀者的感應，這是直接繪寫，即物即心，所謂“比”即針對某些特殊的情事，遵循著某種思路由現實生活的影響，觸發而產生，這種方式在“情”與“物”之間除了感情的感應之外，沒有路可尋，這是借物為喻。所謂“興”是純由心靈上某種精妙敏銳的感應之外而產生的“物”與“情”的聯系，只有直覺的感應，絲毫沒有理智的權衡比較在其中。這樣說來，中國工筆花鳥畫的真正好處和特色是在多姿多態的變化中，注意引發觀者的聯想與想象，使之由具體的動、植物形象感受到生命的共感，喚起人生的深刻的體驗與某種精微的情思。工筆花鳥畫造就了花鳥畫的審美趣味、文化品質乃至批評標準，它使中國花鳥畫藝術在世界范圍內具有了獨立的審美價值。

三、工筆花鳥畫賦色的發展與轉變

工筆花鳥畫的賦色分勾填和勾勒兩種，有根據顏色的質地分為淡彩著染、白描墨染和重彩著染。染色的步驟一般是先用濃墨勾好稿子，然后由深到淺的分染、罩染、提染。工筆花鳥畫的色彩表現，既不同于西畫對某一時空結構中的客體對象明暗關系的寫實，也不同于中國水墨畫，而是依歷代畫家認識、歸納、積累而來的程式色彩而賦彩。重構現代工筆花鳥畫的色彩表現，主要有以下幾種思路。其一，中國畫并未形成客觀的色彩理論，這是由于中國畫的色彩表現建立在主客觀合一的色彩認識基礎上。其二，中國工筆花鳥畫的古典顏料十分豐富，并發展出完善的使用顏料的設色技法理論和色相配合的規則，其三，工筆花鳥畫的傳統設色技法與規則往往以色彩的質感來描述色彩關系，注重的是色彩的質地與色質的對比、調和，而較少關注色彩表象的關系。其四，如何在工筆花鳥畫中發揮色彩的表情作用及其引發感覺，聯想象征的作用，是畫家們多方致力的一個方面。

當今的工筆花鳥畫不再以適應封建社會繪畫體裁由封建社會最高階層的審美需要為宗旨，而是以現代中國人生體驗與精神生活為主，滿足其抒情娛性的需求。那些既能隱現造型樣式的歷史規范，又能體現當代人文背景下的審美時尚，并且合乎事物的根本規律的變形樣式，最終會作為我們這個時代工筆花鳥畫的獨特創造而流傳畫史。

參考文獻

[1] 藝術理論基礎[M].上海市教育局職教處

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藝術史學進行真正意義上的研究，迄今已有近兩百年的歷史。自藝術史論形成之日起，就以強大的生命力彰顯于畫界和史界對美術家的創作思想和創作技法，對美術思潮和藝術流派的導向，以及對美術教育都產生了極為深遠的影響。

一、美術史論對美術實踐工作者創作思想和創作技巧的影響

當前，許多美術創作者認為創作思想來源于自身對技法和繪畫風格表現語言的探索，對美術史論相關知識并沒有過多的涉及。筆者認為，這種觀點存在一定的認識方式和認識形態上的誤區。美術史論的學科使命在于豐富和進一步拓展美術實踐工作者的人文知識內涵，陶冶人文藝術情操。美術史論對美術工作者的創作思想影響深遠。西方的拉菲爾前派、現實主義（圖1）、立體主義繪畫、達達主義等，中國明代書畫上的復古魏晉風流、董其昌的論文人畫以及南北二宗論等，事實上都是美術工作者在業界先倡導美術史論方面的美術理論指導思想，而后發動地區乃至全國美術實踐工作者對該時期美術創作思想，特別是創作題材、創作視覺表現方式進行主流形式上的探討、判斷和統一，引導美術工作者的創作思路契合時代主流藝術創作風格，讓美術工作者在先期的藝術創作構思和素材收集時清楚藝術創作思路的正確性。

關于美術創作技法的來源，眾說紛紜，有人說是師徒傳承的；有人說通過傳移模寫，從古人處得來的。筆者認為，我國美術工作者的創作技法在經過師徒傳承的同時，更多源于在書本上的技法理論。而技法理論書籍基本是由從事美術史論研究的工作者和愛好者進行編撰和整理而出的。比如西方文藝復興時期達?芬奇的《繪畫論》、中國古代荊浩的《筆法記》、郭熙的《林泉高致集》等。美術史論研究的工作目的在于將經典創作技法理論匯編成書，以供藝術實踐者提高自身創作技法。

二、美術史論對中國美術思潮和流派的影響

美術史論對美術思潮和流派的發展影響，從本質上說，更多起到的是導向和鞭策作用。自我國改革開放以來，這種情況愈加明顯。美術史論在美術學科中的地位越來越重要，擔當著不可或缺的責任。比如，受美術史論的影響，我國上世紀80年代出現美術“八五思潮”；90年代以后出現的裝置藝術、前衛藝術、觀念藝術；近幾年盛行的藝術策展、藝術拍賣、試驗水墨等。如今，美術實踐創作工作者、美術流派、美術思潮同美術史論之間的關系越來愈密切，往往美術史論者首先對美術創作者的作品布展、思潮和流派的命名加以理論支持，并提供可行性方案，然后由美術創作者按方案去完成整個宣傳計劃。

在中國，引導中國美術學術主流發展的中國美術家協會業已先后成立具有該類性質的相關美術理論委員會、策展委員會、美術教育委員會等，這說明了美術史論在社會和學界內對美術學科的影響日益突出。美術史論的地位正在被美術學界廣為認同，美術史論所產生的影響使其成為一門真正意義上的顯學。美術史論指導著美術實踐的方向，發揮出其應有的重要作用。

三、美術史論對美術教育的影響

談到美術史論對院校美術教育的影響，很多人往往都會指向大學美術教育。實際上，這種影響也存在于其他年齡階段。美術史論對中國高等院校教育影響而言，體現在提高美術專業學生的專業技能中。比如，學習美術史論的學生通過專業課程的學習，了解同美術史論專業緊密相關的美術鑒賞、藝術策展等知識；學習中國畫專業的學生了解中國畫史、中國畫論、藝術概論；油畫專業的學生了解西方畫史等。對于民間美術教育而言，剪紙、皮影戲、糖人等視覺元素需要記錄于美術史論當中。民間藝人技藝的傳播，也需要美術史論相關知識的輔助和指導。

當今，美術史論在學科發展的道路上扮演的角色愈加重要，對相關交叉學科當中的影響逐步深入、日益突出，最終隨著學科的發展而完善。隨著美術史論得到社會和業界的認同，將更好地指導美術創作的發展。美術史論在發展過程中，被忽視過很長一段時間，這種局面直到上個世紀80年代才被糾正。正是因為美術史論的不斷發展，才形成當今美術界百家爭鳴的盛事。理論與實踐始終是相互統一、相互聯系的，沒有美術理論的新突破和新發展，就不會存在美術實踐中迭起的創新。美術史論是美術學發展的基礎，沒有史論基礎作為保障，美術實踐創作的內涵和底蘊將會缺失，沒有繼承也就無從創新。如今，強調美術史論的重要性，在于強調其在美術學科中的基礎地位和重要影響，美術創作者只有積淀了豐富的美術史論功底，才能夠更扎實地推進美術學科的發展，創作出更多、更優秀的藝術作品。

參考文獻：

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對于陶瓷欣賞首先確定陶瓷是一門藝術，所以陶瓷藝術欣賞并非特立獨行與其他藝術門類，正是如此她也有著與其他藝術同樣的欣賞基礎和特性。所以弄清藝術的欣賞概況對于欣賞陶瓷亦是至關重要。

功能性。美學基本上包括著研究客觀現實美，人類的審美和藝術美的一般規律。這種審美又并非真實的美與丑，善與惡，而是經過創作者處理過的關于事態之情感的藝術表現功能，主要是以創作者個人的內心感受為主。

認知性。這種認知性具有雙層的概念，一層是出現在創作者的認知中也就會展現在作品中的形式，另一種是對于觀眾而言的全新的認知，在某種程度上相當于創作者在完成初次創作之后，到觀眾欣賞后再進行多次創作的一個過程。或是說使觀眾感受到更多的作者的內心情調，作者在企圖與觀眾達到一種“知音”關系，而很難達到“共鳴”。

教育作用。教育作用，在很大程度上是通過藝術作品，以情感人，潛移默化的使讀者、觀眾和聽眾感受與領悟到博大深厚的人文精神，但所感受到的依然以作者個人的內心世界內心情懷和精神為主。

審美娛樂作用，主要是指一則通過藝術欣賞活動，使人們的審美需要得到滿足，獲得精神享受和審美愉悅，愉心悅目、暢神，通過閱讀作品或觀賞演出，使身心得到愉快和休息。使人們通過藝術欣賞得到積極的休息，從而以新的精力去投入新的工作。再則更多的還是作者自己的自娛自樂作用。正如董其昌所言，畫之功能就是“自娛”“以畫為樂”“寄畫于樂”“畫中煙云供養”“多壽”等，也就是通過繪畫已達到自娛和健身之作用。

符號性。任何藝術僅是屬于一種關于形式的符號。然而這種符號又并不是真實世界里面所呈現的任何事物，僅是通過作者先天學習而后天感官和經驗及長期思考而得來的某種符號形式的表現。

二、陶瓷作為工藝美術的賞析

那么當陶瓷又作為一種工藝的美術展現在世人面前，我們還應該怎樣對陶瓷進行全面的欣賞？除上述心里之外我們還應該明確幾個概念。首先是工藝，工藝是指將原材料或者半成品加工成產品的工作，方法，技術等。工藝美術，是指工藝品的造型設計和裝飾性美術。由此可以粗略的理解為陶瓷是將未成形的泥土經過加工才成型，正由于其加工過程的繁雜故而陶瓷可以說是火的藝術，泥的藝術，釉的藝術。然后才是美術，值得注意的是在這里的美術包括兩個部分一個是造型的設計，造型的美感與欣賞，另一個是裝飾的藝術。或許在一定情況下陶瓷與中國畫是同源，陶瓷從泥經過加溫成型的過程相當于造紙的過程，只是造紙沒有像陶瓷一樣要呈現出明顯的形狀也就是美，而這也可以說是陶瓷欣賞與國畫欣賞的一個最大的不同。

首先便是了解其藝術表現技術。藝術技術即是藝術手法是創作者將精神美轉化成物質美的紐帶，一件優秀的作品如果沒有優秀的藝術表現手法便不能將好的情感意境和情趣表現得淋漓直至。所以對于藝術技術手法的評價和欣賞便是在欣賞過程中的理論基礎。對于陶瓷便會首先對于其材料（泥土的品性，形式等）進行評價,。不同的泥會產生不同的效果和形式，所以了解泥性也就是原材料的形式是欣賞瓷器的一個條件。第二個便是對于陶瓷工藝的技術進行了解，在這里便是指其成型之前的技術，用什么樣的方法成型，用怎樣的形式塑造，因為沒有好的方法很難實現好的造型，即使有了很好的情趣而沒有合適的技術和方法也很難實現“夢想成真”。綜合此兩點便可以體會出創作者在初期的藝術意圖和藝術期望。

陶瓷的特性便是火的藝術，火是藝術家與成型作品之間的橋梁和紐帶，所以除去了解材料和手法，還需要了解火對于陶瓷這種工藝美術的重要意義。不同氣候下的作品是有著天壤之別的形象，所以對于溫度的控制，窯位的擺放，燒制的方法等火的藝術對于陶瓷的欣賞至關重要。

造型設計也是在這一環節中應該去注意的，那么在設計中技術和意義也便產生了。每件藝術品都有著她特殊的意義，有的先從聯想而來，有的從生活實踐中而來，有的則是從文學或者是音樂等因素中而來。對于陶瓷，雖不像中國畫一樣受到某些形式的限制，但她畢竟有著屬于自己的藝術語言，例如古彩這種陶瓷藝術形式，名五彩，后也叫做古彩，必定有著他的特殊性意義，是否古彩與五彩的意義不同，還是當時是對于五彩的一種期望，希望它能展現出古意，或者有更新的形式出現。現在很多的學者認為古彩應該有古意，雖不盡然，但這是對于陶瓷的某種欣賞意義的評價。

對于裝飾的了解。或者可以把這個觀念歸納成為一個“繪瓷學”。最為明顯的有兩種裝飾手法，一則是中國畫式樣的水墨裝飾（對于此手法表現于陶瓷尚待討論）二則是綜合式的純裝飾手法。究竟怎樣的裝飾形式才表現才好，是否應該適應時代的特性和趨勢，還是保留傳統的繪畫形式和法則便是對于陶瓷“繪畫學”一個評價和欣賞角度。

還有一點是陶瓷與很多藝術形式的最大的不同，便是對于裝飾和造型的結合是否完美這一欣賞要素。因為陶瓷是這兩個方面結合而產生的一種特殊的藝術形式。簡而言之，當你的藝術形式裝飾手法與陶瓷的器型和形式完美的結合在一起的時候便是最佳狀態，如同事物的兩面，他們是缺一不可的，或許在輕重程度上略有不同，有人更加注重形式美，有人更加注重造型美，她是一種物質方面審美和精神方面審美共同的產物；然而當你的造型脫離的裝飾或者說裝飾不符合造型的時候便會產生一種不和諧的環境，所以對于畫面感和形式感以及器型的美感的要求被不斷地提高了，所以說陶瓷的藝術形式可以說是一種較為復雜和綜合的考察，考察的是創作者對于不同的器物去創造不同的美感的一個挑戰，更是欣賞者對于藝術作品的不同層次的審美的考驗，藝術世界便在這三者中不斷地被擴大再縮小在擴大的重復。

三、總結

對于陶瓷的欣賞是一個及其繁雜的過程，需要掌握的主觀和客觀條件眾多，故而在某一個時期他的受眾面和理解面很難和其他的藝術形式比較，更難以被大眾所充分欣賞，這需要作品和創作者以及欣賞者共同的進步和理解。在此略談陶瓷欣賞，希望可以更多的靠近欣賞者的思路，或者改變一些對于陶瓷的認識。

參考書目：

陳傳席 《中國山水畫史》 天津人民美術出版社 2002年

宗白華 《中國美學史論》 安徽教育出版社 2006年